Story #7
ROGER TRIAS (ROGER COLL) / FABIEN CONTI / MARIO CONTI / CÉCILE DACHARY / AITOR GOICOECHEA / LAURA GONBALLES / VALÉRY GUO / RÉJEAN PEYTAVIN / EUSEBIO SANCHEZ / MARC SPARFEL / REBECCA TANDA / KENTA UMEMOTO / MARIE VERLEY DOZ /
BARCELONE —
DU 5 MAI AU 30 OCTOBRE 2022
Carrer Mexic 19, Local 0
08004 Barcelone
+33 6 35 21 54 14
contact@khaos-group.com
KhaOs présente l'exposition Story #7, une série de collaborations et d'œuvres joyeuses et inattendues autour de l'allégorie de la nature pour célébrer le printemps.
Hommage au règne du printemps, la collection dessine la silhouette d'homme-fleur, l'émotion du jardin bourgeonnant, la fragilité du pétale autant que l'impétuosité de la nature ; Un voyage coloré et ludique avec le beau geste de réunir des objets qui étaient destinés à se rencontrer ; Émotions, histoires, affinités, et inspirations relient cette sélection en rassemblant le travail de treize artistes qui explorent la nature ingénieuse et fertile.
Story #7 articule un univers étonnant dans lequel la mode rencontre les autres disciplines d'art : Toiles d’atelier, photographies et sculptures côtoient le vêtement et les objets de mode bigarrés.
AVEC LA PARTICIPATION DE
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ROGER TRIAS aka Roger Coll
Roger Trias (aka Roger Coll) appartient à une nouvelle génération d'artistes qui réinterprètent la tradition céramique et l'élèvent de la catégorie de l'artisanat à celle de l'art sculptural. Depuis 2010, il a présenté son travail dans des expositions individuelles et collectives, notamment à New York, Berlin, Milan, Stockholm et Londres. En outre, Roger a été sélectionné pour figurer dans le prestigieux guide Homo Faber de l'artisanat mondial ainsi que au salon Mess en 2019 avec "The Future Perfect" fondé par David Alhadeff en 2003
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ROGER TRIAS
Atelier de Roger Trias
FABIEN CONTI
Jeune diplômé de la prestigieuse école française des Beaux-Arts de Paris, Fabien Conti fait partie de ces artistes dont l'univers captive et fascine.
Dans ses peintures à l'huile de grand format, l'artiste s'interroge sur la responsabilité de l'être humain dans le réchauffement climatique. Dépeuplée et reflétant une tragédie humaine, à la fois prédite et observée, l'atmosphère qui entoure les tableaux de l'artiste est suffocante, tempétueuse, calme. Des œuvres méditatives qui ne peuvent nous laisser indifférents.
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FABIEN CONTI
Atelier de Fabien Conti
AITOR GOICOECHEA
Âgé de 21 ans et originaire de Basauri (Biscaye - province du Nord de l'Espagne), Aitor Goicoecha vit à Madrid. Pour son projet de fin d'étude à l'IED de Barcleon, il présente sa collection "Aitarekin afaltzen"‘ (dïner avec mon père en basque) : Un voyage dans son passé et réflexion de sa relationà son père.
Aitor Goicoechea met ses sentiments les plus intimes dans chaque vêtement et fait usage de matériaux quotidiens pour ses créations ; des filets de pêche aux parapluies de plage qu’il transforme en vêtements tout aussi poétiques qu' extravagants.
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AITOR GOICOECHEA
Aitarekin Afaltzen Collection, 2021
LAURA GONBALLES
Diplomée de l'École d'art et de design de Séville et l'École Massana de Barcelone, Laura Gonballes est une artiste visuelle.
Elle a développé sa propre technique et son propre style : Un univers créé par des personnages, principalement des figures féminines, dans ses compositions picturales la couleur bleue prédomine. De cette esthétique, la figure féminine s'approprie aussi la couleur bleue, qui a tellement identifié le genre masculin. Laura défend ainsi dans son travail le rôle des femmes dans une société peu équilibrée, luttant pour une réalité ou une égalité entre les sexes en utilisant les murs de l'urbanisme comme canal d'expression.
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LAURA GONBALLES
Espagne
VALÉRY GUO
Né en France, Valery a passé 15 ans à Pékin et est actuellement basé à Paris.
Formé comme expert en Art dans la capitale française, Valery a commencé sa carrière à Pékin en créant dès 2007 la première galerie dans un appartement spécialisée dans l'art moderne et contemporain Intéressé par l'industrie cinématographique chinoise émergente, il a commencé à jouer la comédie en 2010 et a été nommé " acteur étranger le plus influent en Chine " en 2018.
En parallèle il développe son premier projet créatif "Pootsh" produits de décoration intérieure. De retour en France en 2019, Valery a décidé de combiner sa riche expérience chinoise avec ses intérêts artistiques. Il a commencé à expérimenter sur un nouveau concept et a créé le 怪 [gwaii] qu'il aime installer de manière ludique dans les rues de Paris.
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VALÉRY GUO
MAY21, 2021
RÉJEAN PEYTAVIN
La démarche de Réjean Peytavin, à mi-chemin entre la poésie des objets et l'imaginaire fantastique, consiste à créer un paysage domestique au confort déplacé, dans lequel l'ironie se mêle au rêve.
Puisant dans sa fascination de longue date pour les écosystèmes, Réjean crée des combinaisons de formes et de matériaux en associant des éléments factuels issus de différents domaines, tels que l'architecture, le sport, l'ethnologie, etc.
Au milieu de ces entrelacs qui induisent des déplacements importants, il s'attache à trouver de nouvelles voies subtiles ou rationnelles pour la production et la fonction des objets, suggérant de nouveaux rituels qui plongent l'utilisateur dans un autre niveau de dialogue, entre le geste et la pensée.
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RÉJEAN PEYTAVIN
Rocher, 2013-14, Sculpture en céramique
EUSEBIO SANCHEZ
Eusebio Sanchez est un artiste céramiste basé à Brighton. Il a obtenu un BA (hons) en design 3D et artisanat de l'Université de Brighton en 2015, et est allé consécutivement au Royal College of art pour étudier un MA en céramique où il a été diplômé en 2017.
Eusebio a remporté le prix FRESH à la British Ceramic Biennial en 2017, en 2018 il a effectué une résidence au Centre international de recherche en céramique au Danemark. Cette année, il a été sélectionné comme l'un des talents émergents pour Hothouse 2019 par le Craft Council et a été l'un des finalistes du Emerging Makers Aberystwyth International Ceramic Festival.
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EUSEBIO SANCHEZ
'A Convoluted Journey', Ceramic, Glaze & Engobe, 2019
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REBECCA TANDA
Rebecca Tanda est une artiste visuelle qui travaille principalement avec la vidéo et la sculpture. Dans ses projets, elle réimagine des histoires et crée des futurs spéculatifs qui se concentrent sur la géographie, le territoire et l'histoire naturelle. Rebecca est la lauréate de la bourse en verre de la Charles A. Dana Foundation en 2019 et de la bourse Arts & Culture du Lee Woo Sing College en 2016, entre autres prix.
En 2018, elle a été artiste en résidence au Franconia Sculpture Park (États-Unis) et en 2020-2021, elle a été résidente à la Fondation Fiminco (France).
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REBECCA TANDA
Red Meat, Encre sur papier, 2020
KENTA UMEMOTO
D'abord familiarisé avec la photographie lors d'un cours à l'université de Meiji à Tokyo, Umemoto a ensuite commencé à explorer le métier tout en produisant des natures mortes pour une entreprise de kimonos traditionnels et Shiseido. Au fil des années, ses intérêts visuels se sont étendus à la beauté, à la Flōra et aux paysages.
Umemoto développe maintenant des intersections entre la peinture et la photographie en utilisant à la fois des processus numériques et manuels avec des couleurs vives inspirées de l'Ukiyo-e et des bandes dessinées japonaises classiques. Kenta Umemoto vit et travaille entre Paris et Tokyo.
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KENTA UMEMOTO
FLŌRA II, Untitled #86 Tsuruoka, Yamagata Prefecture, Japan, 2020
MARIE VERLEY DOZ
Originaire d’Aix en Provence et diplômée des Beaux Arts de Lyon en Design Graphique, Marie Verley Doz développe progressivement ses recherches autour du dessin. Son travail se situe à la croisée de l’illustration et de la nature morte, avec une sensibilité florale. Elle nourrit sa pratique de la couleur par l’assemblage du feutre et des crayons, ses outils de prédilection. Ses séries de dessins présentées à la galerie KhaOs sont inspirées de la cuisine de son entourage. Marie observe nos rapports à l’alimentation et la nature, avec un intérêt pour la composition, le motif et les objets de nos quotidiens. Marie Verley Doz vut et travaille à Paris.
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MARIE VERLEY DOZ
Les assiettes #1, dessin, 2021
MARIO CONTI
MARIO CONTI
Sculpture, Sant Titre, 2021
MARC SPARFEL
Marc Sparfel est un « faiseur » comme il se décrit lui-même, au sens propre de faire. Un gout de savoir-faire qui lui vient peut-être des livres de son père sur la préhistoire, l'Égypte ancienne et la Grèce antique qu'il lit face à la mer dans sa campagne natale Bretonne. Technicien dans un théâtre de marionnettes, il se centre sur sur la photographie, le dessin, la gravure et l'histoire de l'art pendant ses études de communication visuelle.
Marc Sparfel vit et travaille à Barcelone où il chasse les meubles abandonnés dans les rues dont il tire une longue série de masques, d'animaux et d'êtres mythologiques exposés en France, en Allemagne, aux États-Unis et en Israël.
Aujourd'hui, Marc Sparfel utilise de simples chutes de bois pour faire ses sculptures géométriques et totems jouant de l'espace, du vide et la matière dans une sorte d'improvisation sans croquis ni modèle, dans une relation directe et fluide pour créer des univers de formes.
« Pendant le processus de création, je fais tourner des histoires librement dans ma tête, sans aucune intention d'être racontée, comme une conversation interne pour nourrir mon énergie créatrice. (…)J'essaie de trouver des directions intuitives pour ma sculpture qui dépassent le besoin d'être expliqué, aspirant à me connecter avec la nature enfantine pré-verbale présente en chacun de nous. » explique Marc Sparfel
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MARC SPARFEL
Sculpture en bois, 2021
CÉCILE DACHARY
"Toute mon enfance j'ai vu les femmes de ma famille réaliser des ouvrages en tissus et en fil cousus, brodés, au crochet ou au tricot…. J'ai appris avec elles le plaisir des « ouvrages de dames ». Après des études d'arts appliqués et une carrière dans le textile, j'ai choisi de me consacrer à cet univers.
Héritière d'un savoir-faire féminin, familial et professionnel, j'ai gardé la mémoire des gestes réservés à l'intimité du foyer et tente d'en élargir les champs. Ce qui était alors une forme d'œuvre « domestique » devient un mode d'expression artistique marqué par sa féminité intrinsèque.
Loin des préoccupations de vitesse, d'efficacité et de consommation de notre époque, j'aime le coté laborieux de ces ouvrages, le temps la patience et l'économie de moyens nécessaires pour les réaliser, et communs à tous les ouvrages réalisés par les femmes du monde entier. J'ai envie que ces techniques soient toujours utilisées, en hommage aux femmes d'ici et d'ailleurs et des générations précédentes. Je veux profiter de la chance que j'ai ici et aujourd'hui de pouvoir emmener ce savoir-faire à un autre endroit, réduire la distance qui sépare l'artisanat de l'art et réévaluer ce type de travail, car comme le dit Annette messager : « un point de couture peut-être très beau ».
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CÉCILE DACHARY
Trophées, Sculpture, 2013
